Dès la scène d’introduction, le ton est donné avec ce plan sombre et crasseux où le protagoniste remonte péniblement des entrailles du navire qui l’amène aux États-Unis. C’est l’arrivée d’un immigrant comme une ascension vers la lumière, jusqu’à sa découverte triomphale de la Statue de la Liberté dans un cadrage instable et surtout où le flambeau d’une statue qui porte au bout de son bras levé le Rêve américain est … à l’envers !

« The Brutalist » apparaît d’abord comme une anomalie dans le paysage cinématographique actuel de par son ambition narrative et esthétique mais aussi de par sa construction. C’est un film d’auteur en deux grandes parties (Ouverture & Chapitre 1 / Chapitre 2 & Épilogue) divisées par un entracte au milieu, qui couvre pas moins de trois décennies sur le destin douloureux d’un immigré hongrois venu goûter au Rêve américain en 1947. Ce personnage est un architecte visionnaire au passé indicible qui se retrouve dans une Pennsylvanie en plein boom alors que sa femme est encore sur le vieux continent. Il va (au sens propre comme figuré) se retrouver au charbon et dans la crasse jusqu’à ce qu’il fasse la rencontre (intellectuellement stimulante) d’un richissime mécène américain reconnaissant sa valeur et lui commandant la construction d’un édifice à l’image du film, à savoir hors-normes et multifonction, tout comme cette œuvre de 3h34 multipliant les thématiques et métaphores.

« The Brutalist » est ainsi une fresque historique et intime, à la fois macro et micro, qui parle donc bien sûr d’architecture, mais ce n’est pas l’unique thème du film qui est bien plus riche et ausculte aussi cette nation d’immigration (avec le cousin parfait exemple d’assimilation), ainsi que la discordance entre l’art et l’industrie ou encore le trauma d’un artiste et celui d’un couple. C’est un film qui raconte à la fois un homme, un pays, et un siècle à travers le portrait du leurre américain et d’une volonté artistique. C’est un film dense mais accessible, long mais sans longueur, et qui mérite réflexion.

Brady Corbet est en effet habitué aux histoires entrechoquant les thématiques pour former un tout après avoir réalisé « Vox Lux » en 2018 qui diagnostiquait déjà une certaine Amérique malade à la fois par le biais de ses tueries lycéennes et de ses pop stars. Ici il s’intéresse à l’influence majeure que la condition psychologique d’une époque, l’après-guerre, a pu avoir sur un mouvement architectural en inventant un personnage formé au Bauhaus, en partie inspiré de Marcel Breuer, et dont l’architecture froide et oppressante cache l’horreur dans la beauté de sa géométrie … ou comment un homme cherche de manière obsessionnelle à se reconstruire dans l’architecture jusqu’à y projeter ou y perdre une part de son âme. Adrien Brody (Le Pianiste) est quasiment de tous les plans pour incarner ce protagoniste emblématique aux côtés des excellents Guy Pearce (Memento) et Felicity Jones (Rogue One) dans des dialogues en anglais, hongrois et italien qui jouent avec minutie sur les différences d’accents et de vocabulaires des personnages.

Récompensé à Venise pour sa réalisation, Brady Corbet met en scène un style bien particulier à commencer par son tournage en pellicule et VistaVision (un processus de défilement horizontal de la pellicule qui évite les distorsions) qui lui donne le format de photographies. Tourné presque intégralement à Budapest dans des décors impressionnants, le ton est austère avec ses plans sombres, ses couleurs ternes et désaturées, et sa musique omniprésente battant la cadence et résonnant encore longtemps après la séance. Quasiment sans aucun champ/contre-champ, mais plutôt avec de nombreux plans-séquences y compris lors des scènes de dialogues, Corbet nous livre quelques scènes mémorables pour finir sur une clé secrète de l’œuvre. Et à l’image du parcours de son protagoniste, la photographie évolue progressivement de la crasse à la lumière pour finir sur un épilogue qui apporte un véritable changement visuel.

C’est un film dont on sort plus sonné qu’ému car malgré son point de vue interne, les personnages sont finalement peu attachants – peut-être parce qu’ils ont tous une part d’ombre ou d’horreur en eux – et c’est donc un film assez énigmatique (notamment avec une fin (pré-épilogue) qui aurait peut-être mérité une conclusion plus claire) et surtout froid, voire brut, ou brutaliste somme toute. Le titre est ainsi reflété par toute la nature de l’œuvre, de sa thématique architecturale à son esthétique visuelle, en passant par ses personnages ou encore sa partition imposante comme un édifice brutaliste. ‘The Brutalist’ renvoie ainsi non seulement au mouvement artistique dont le protagoniste est issu, mais aussi à une manière de se comporter, ainsi qu’à l’état même du pays décrit. Et au-delà de toute cette symbolique, le film en lui-même est aussi une métaphore du cinéma et du projet du réalisateur comparable à celui de l’architecte : un bâtiment et un film peuvent en effet nécessiter à peu près autant de monde et avoir autant de contraintes des différents collaborateurs …

Raphaël Sallenave